Empezamos este tema enumerando los tres elementos de la forma: el punto, la línea y el plano o superficie. Antes de definirlos hay que establecer un concepto básico: el campo gráfico, es el espacio en el que se trabaja. En el momento que colocamos algo en el campo gráfico esto empieza a funcionar de una determinada manera.
El punto es el lugar donde se cruzan dos rectas, un elemento básico en el dibujo y dependiendo de la posición que ocupe en el campo gráfico puede dar una sensación u otra. Cuanto más en el centro se encuentre el punto más sensación de equilibrio va a dar, por lo tanto cuanto más se aleje del centro más tensión va a crear.
La siguiente imagen da mucha sensación de equilibrio, sin embargo si la imagen estuviera totalmente en el centro daría aún más esta sensación, y si estuviera en una esquina perdería gran parte de este equilibrio.
La línea es una sucesión de puntos, en este caso la línea horizontal va a dar más sensación de tranquilidad que la vertical, que es un poco más tensa. La línea curva cerrada (en forma de círculo) da más equilibrio que la curva abierta que provoca más tensión. Sin embargo la línea diagonal ni está en equilibrio ni es muy tensa, da sensación de violencia. Como ejemplo, la siguiente fotografía es una hoja de palmera, sin embrago da cierta sensación de violencia por estar enfocada desde una perspectiva diagonal.
Para establecer un punto de equilibrio en cada figura establecemos lo que se llama «eje sentido», tendemos a establecer una línea vertical en todas las formas para buscar el equilibrio. El eje sentido es el que nos hace ver si una forma está en equilibrio o está en movimiento. Este eje también se le establece a los cuerpos humanos, estableciendo el grado de tranquilidad del cuerpo. Algo parecido al eje sentido es el ritmo interno, se trata del conjunto de líneas que describen una figura y nos hace comprender el grado de equilibrio, este es el responsable de que captemos el movimiento.
El llamado «eje sentido» y el «ritmo interno», es lo que hace que no de la misma sensación estas dos figuras:
Esta primera da sensación de equilibrio porque su eje sentido esta recto y el cuerpo presenta bastante tranquilidad.
Sin embargo, esta segunda, presenta un desequilibrio evidente.
En una obra si el ritmo interno de la figura está desequilibrado, más sensación de tensión va a dar la obra. A veces para dar sensación de movimiento a un dibujo e incluso a una escultura se le pinta unas líneas cinéticas o escalas. Con esto se consigue una sensación de velocidad.
El último de los elementos de la forma consta de dos conceptos: el plano y la figura. Los planos pueden ser rectos, curvos y mixtos, siendo el más normal el plano recto. He aquí un ejemplo de plano curvo:
La figura tiene más posibilidades; cuadrado, rectángulo, triángulos, círculos o formas curzas, héptagonos, hexágonos, trapecios, etc.. Dependiendo de la figura el cuadro va a dar una sensación u otra, por ejemplo el cuadrado acumula mucha tensión y el triángulo está en equilibrio cuando la base es horizontal y está el vértice vertical. Además el rectángulo dispuesto en forma horizontal da más equilibrio que en vertical.
Existe un caso especial, es el llamado rectángulo áureo, también denominado rectángulo de oro o rectángulo Φ, es el rectángulo cuyos lados están en razón áurea. Si b y h son los lados, b/h = Φ. Para construirlo a partir de un cuadrado de lado AB, basta con determinar el punto medio M de uno de los lados AB, y trazar, con centro en el punto M, una circunferencia que pase por uno de los vértices C del lado opuesto. Se entiende mejor en la siguiente imagen:
En resumen cualquier superficie sirve de soporte para una imagen pero la más común es la forma rectangular, incluso también podemos encontrar formas mixtas entre las obras de los grandes artistas de la historia.
Pasamos ahora a hablar de algo tan importante como el color, para ello es necesario hacer algunas clasificaciones. En primer lugar hay que enumerar las dimensiones del color. En primer lugar se situa el matiz o croma que se refiere al color como tal: verde, rojo…También podemos hablar de la saturación del color refiriéndose a la pureza del mismo, es decir de la pureza total al agrisamiento. Por último, según el brillo la imagen va a tener un tono que va desde la luz hasta la oscuridad.
Al hablar de colores primarios, podemos diferenciar dos tipos: los primarios luz se refiere a aquellos colores cuya suma da la luz blanca, y son el verde, azul y rojo. Los primarios materia son los colores primarios conocidos pir todos, son el amarillo, cyan y magenta. Estos mezclándose forman los colores secundarios, que son el verde el naranja y el violeta. En el siguiente círculo cromático hecho por un niño, se ve muy bien la clasificación de estos colores primarios y secundarios materia:
Seguimos con la clasificación de colores, diferenciando entre colores fríos y cálidos, en los primeros se utiliza los tonos azules y en los segundos los rojos, naranjas y amarillos. En las obras se utilizan los colores fríos para contenidos más tristes y cálidos para más agradables o apasionados. Los colores cálidos parecen más cercanos que los fríos.
Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo y los colores fríos son las gradiaciones del azul al verde. Esta división de los colores en cálidos y fríos, radica simplemente en la sensación y experiencia humana. La calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas ( www.fotonostra.com). Los colores, de alguna manera, nos pueden llegar a transmitir estas sensaciones. Un color frío y uno cálido, o un color primario y uno compuesto, se complementan.
Según la Wikipedia, los colores complementarios son aquellos coloresque, en el espectro circular, se encuentran justo uno frente al otro en un círculo cromático. De esta forma la denominación complementario depende en gran medida del modelo empleado. Se obtiene mediante la contraposición de un primario con un color secundario formado por los otros dos primarios. Así por regla general el complementario del color verde es el color rojo, el del azules el naranja y del amarillo el violeta.
Cuando dos colores diferentes entran en contraste directo, el contraste intensifica las diferencias entre ambos. El contraste aumenta cuanto mayor sea el grado de diferencia y mayor sea el grado de contacto, llegando a su máximo contraste cuando un color está rodeado por otro.
El efecto de contraste es recíproco, ya que afecta a los dos colores que intervienen. Todos los colores de una composición sufren la influencia de los colores con los que entran en contacto. Este contraste entre colores ha sido utilizado siempre por los grandes artistas de la historia de arte, teniendo en cuenta que el contraste entre colores cálidos va a dar sensación de lucidez y en los colores fríos representará la sombra. Como ejemplo, presento una obra de El Bosco, con un fuerte contraste de colores cálidos; El Tríptico de las Delicias».
Los colores también tienen muchísimo valor psicológico, nos influyen en nuestro estado de ánimo, nos llaman más la atención los colores cálidos, a la vez que nos producen mayor intranquilidad que los fríos. De hecho es la cultura la que, la mayoría de las veces, le da significado a los colores. El ejemplo del semáforo o de las señales de tráfico son los ejemplos más comunes. Sin embargo, hay otros ejemplos también muy comunes. Los colores de nuestra ropa nos definen y hay determinados subgrupos sociales que se rigen por una forma de vestir determinada cuya característica casi siempre más importante es el color, común para todos ellos. El ejemplo más conocido es el de los «colorines» de los hippies en los años 60, pero actualmente también hay grupos de este tipo, góticos y heavys, por poner un ejemplo, cuyo color predominante es el negro.
La tercera parte de este tema es el peso visual, esto es la capacidad para llamar la atención de una figura en el campo gráfico. Como vimos en la primera parte del tema, si la figura está en el centro del campo gráfico tendrá mayor peso visual. En la segunda parte de este mismo tema también vimos como los colores cálidos poseian también un mayor peso visual al parecer más grandes.
E n el peso visual influyen varios elementos. En primer lugar la forma si es regular tiende a llamar más la atención, y el tamaño también es importante, llama la atención lo más grande:
También posee mayor peso visual aquello que es más complejo o tiene más número de partes, así como, y los colores cálidos.
Hay muchos más aspectos que influyen en el peso visual, estos aspectos junto con los ya mencionados son explotados por las campañas de marketing que buscan siempre el peso visual de la imagen. El contraste en una figura llama mucho la atención, también se busca lo excepcional («la oveja negra»), lo increiblemente atractivo, la situación en el campo gráfico, el movimiento, etc.
La cuarta y última parte del tema es la composición. Las imágenes están formadas por elementos, para que la composición esté equilibrada estos elementos deben estar compensados. Hay varias reglas de composición, que están basadas en la ley de la balanza. Para explicar estas reglas hay que aclarar antes que cuando nos referimos a peso, hablamos de peso visual.
- Ponemos el mismo peso en ambos lados (composición simétrica o clásica). Es el equilibrio más elemental, se crean composiciones muy equilibradas y perfectas, monótonas a veces, sencillas y excesivamente estáticas. La mayoría de las composiciones no son totalemente simétricas.
- Con pesos desiguales a ambos lados (composición dinámica o asimétrica). Se utilizan pesos muy diferentes pero que equilibren. En este tipo de composiciones es importante conocer el peso de cada cuadrante visual (superior derecha).
Por último también es muy importante en la composición el ritmo interno, es decir el movimiento, de los personajes.
esta bueno el aporte aunque no me quedo claro porque no se eplica sobre matices y porque el cuadro por este niño no fue corregido en su orden( o sea esta all reves)
saludos…
muy buena informacion los felicitos
¡Gracias amigo!